British Council International seleciona curador para mostra em galeria londrina

O British Council International promove em parceria com a Whitechapel Gallery (Londres/Inglaterra) o “Fifth Curator”, uma competição para curadores que aceita propostas até 04/09/09. Os projetos devem selecionar obras para uma exposição a partir da coleção do British Council, composta por 8.500 trabalhos de arte britânica dos séculos 20 e 21. Os curadores candidatos devem escrever e falar em inglês. Os interessados poderão visitar a coleção pessoalmente ou via internet. Em novembro de 2009 ocorre uma pré-seleção de seis projetos. A mostra, que ocorrerá em abril de 2010, será a quinta da série "Passports - Great Early Buys from the British Council Collection", que já teve seleções de Michael Craig-Martin, Tim Marlow, Paula Rego e Jeremy Deller e Alan Kane.

Mais informações:
British Council,
10 Spring Gardens,
London SW1A 2BN
tel.: +44(0)20 7389 3031
Contato: Emma Williams
emma.williams@britishcouncil.org
www.britishcouncil.org/collection

Iran do Espírito Santo expõe na Artur Fidalgo

O artista paulista Iran do Espírito Santo apresenta a quarta versão de uma série de pinturas murais, intitulada ‘En Passant”, além de esculturas e desenhos de sua recente produção.

Essas obras lidam com idéias ligadas a densidade, transparência, luz e sombra, assim como sua relação com o espaço real da galeria.

Iran trabalha constantemente com códigos de representação. O artista transforma objetos comuns em modelos ideais, tangenciando a forma geométrica pura, pelo domínio absoluto da técnica e da potencialidade de cada material.

Outras obras dialogam com a arquitetura por meio da intervenção direta sobre as paredes; da proporção entre as escalas do objeto e o espaço, ou ainda pela alteração da forma como o espaço é visto.

A inauguração está marcada para 22 de julho, na Artur Fidalgo Galeria de Arte, em Copacabana.

Burle Marx 100 anos: obra em ''constante vaivém''

Mostra no MAM, que celebra centenário do artista, revela várias áreas de atuação

Camila Molina do Estado de S. Paulo

Ao lado de Lucio Costa e Oscar Niemeyer, Burle Marx foi um dos pilares que deram "sotaque particular e original" ao movimento moderno arquitetônico trazido por Le Corbusier, como afirma Lauro Cavalcanti, diretor do Paço Imperial, no Rio, e curador da mostra Roberto Burle Marx 100 Anos: A Permanência do Instável, que será inaugurada hoje no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Nacionalmente e internacionalmente, Burle Marx ficou reconhecido como dos grandes paisagistas - responsável por projetos que se tornarm sua marca, como, no Rio, o do Parque do Flamengo, o da calçada da Avenida Atlântica e do Palácio Capanema, então Ministério da Educação e Saúde, e dos jardins da Pampulha, em Belo Horizonte -, mas ele foi um criador muito além desse campo. "Indisciplinado e workaholic", como diz Cavalcanti, Burle Marx (1909-1994) tem uma produção que compreende a pintura também como parte importante de sua trajetória, a gravura, e ainda incursões no design de jóias e de vasos, de cenários e figurinos e a realização de belas tapeçarias. É essa faceta múltipla que ressalta na mostra feita especialmente para celebrar o centenário do artista, a ser completado em 4 de agosto.

Há uma definição precisa do urbanista Lucio Costa para a produção de Burle Marx, estampada logo no início da exposição: sua obra é "um constante vaivém" entre o paisagismo, a botânica, o desenho, as artes plásticas, enfim. Inevitavelmente, é esse movimento que se sente no percurso de toda a Grande Sala do MAM: o abstracionismo das cores dos quadros do artista se refletem nos vários guaches sobre o papel de seus projetos paisagísticos e até na monumental tapeçaria de 1969, com quase 25 metros de comprimento. Pertencente à prefeitura de Santo André, a tapeçaria é um grande destaque (com o perdão do trocadilho) da exposição, exibida anteriormente no Paço Imperial, no Rio, onde recebeu 180 mil visitantes - ela também é acompanhada de um alentado livro, editado pela Rocco e com textos de diversos especialistas.

Burle Marx nasceu em São Paulo, mas foi o Rio a sua verdadeira base. Também viveu na Alemanha quando jovem - uma importante experiência para sua formação -, voltando ao Brasil, em 1932, quando realizou no Recife, "terra de sua mãe", seus primeiros projetos paisagísticos. O subtítulo da mostra, a Permanência do Instável, é uma licença poética referente ao paisagista e botânico, que desde jovem, primeiramente encantado com cactos, vitórias-régias, bromélias e outras espécimes tropicais, começa a criar jardins, ou seja "composições com elementos que mudam dia a dia", como diz Lauro Cavalcanti - as plantas crescem, se transformam ao longo do tempo e como um "pintor e jardineiro prático", definiu em 1949 Claude Vincent, era esse seu desafio. A exposição é rica em tratar do paisagista Burle Marx, perpassando com documentações, fotografias (dentre elas, feitas por Gautherot e Alair Gomes) e desenhos vários de seus projetos nesse campo, públicos ou residenciais, concretizados ou não, e criados para o Brasil e para outros países.

A mostra se dedica em grande parte, também, a dar destaque para o Burle Marx "excelente" pintor - e foi esse o primeiro mote que Lauro Cavalcanti teve para conceber a exposição, há cerca de três anos. "Todos os dias ele pintava pela manhã e fazia jardins à tarde", diz o curador, afirmando ainda que o artista ficava chateado por ter sua pintura relegada a segundo plano. A mostra apresenta as telas feitas por ele da década de 1930 até o fim de sua vida (incluindo até um quadro inacabado).

FESTIVAL EM BH TERÁ MAIS DE 60 OBRAS

Sinal de que a performance vem ganhando espaço na agenda da arte contemporânea do país, começa em agosto a segunda edição da Manifestação Internacional de Performance. Idealizado pelos artistas Marco Paulo Rolla e Marcos Hill, o evento vai de 3 a 9 de agosto, ocupando espaços públicos de Belo Horizonte, o centro cultural 104 e o teatro Alterosa.
A primeira edição do evento foi em 2003 e só agora volta a acontecer. Bem maior que o festival Verbo, da galeria Vermelho, a MIP terá 40 artistas convidados, entre brasileiros e estrangeiros, e outras 22 performances escolhidas pela curadoria.
Alguns nomes escaladados entre os convidados são a turca Nezaket Ekici, a holandesa Mariëlle Videler e a brasileira Dudude Herrmann. Esses três também organizam uma série de workshops sobre performance entre 20 e 30 de julho em BH.
Outros nomes cotados para o festival são a zambiana Anawana Haloba, o coletivo goiano Grupo Empreza, as brasileiras Louise Ganz e Rose Akras, entre outros.

Crítica: Verbo 2009 por Silas Martí

fonte: Folha de S. Paulo

Ficar pelado não é sinônimo de boa performance artística

Mostra traz recorte potente do gênero, mas perde com nudez em trabalhos fracos

Bruno Fernandes/Folha Imagem

Coreografia com saliva e roupa íntima dos bailarinos da companhia francesa Les Gens d'Uterpan, que participou da última Verbo

A nudez ofuscou o que havia de bom na última Verbo, festival de performances da galeria Vermelho encerrado no último domingo. Não que o corpo tenha perdido o apelo, ainda mais no frio do inverno paulistano. Mas o que se viu, a despeito de obras mais bem acabadas de gente vestida, foi um espetáculo pueril.
Logo no primeiro dia, o português Gabriel Arantes já tinha garotas pintadas de índio com os seios à mostra. Mais constrangedor e um tanto datado, Marco Paulo Rolla levou um rapaz e outra mulher para quebrar taças -todos nus- num dos ambientes da galeria.
Foi dura a espera. Além de desviar dos estilhaços de vidro, o público, que foi minguando ao longo da performance, não respondeu às taças quebradas. Numa espécie de clímax não planejado, um dos meninos cortou o dedo num caco de vidro e concluiu o trabalho manchando de sangue os restos transparentes -devia vibrar de emoção com o acaso sofrido.
Dias depois, o holandês Anno Dijkstra esperou a sala lotar para então tirar toda a roupa. Amarrou um aparato no peito que simulava um tiro de revólver. No lugar do sangue cenográfico, um líquido dourado. Na hora em que levaria o disparo fajuto, algo deu errado. Virou então de costas para a plateia, rearmou o disparador e manchou de ouro o piso da galeria.
Era sua reinterpretação da performance "Shoot", de Chris Burden, em que o artista norte-americano, em plena Guerra do Vietnã, levou um tiro de verdade no braço -estava vestido.

Tédio e êxtase
Nua, Ana Montenegro encarou por meia hora uma plateia entediada. Era essa a performance: uma mulher pelada. No mesmo dia, Rose Akras ficou só de calcinha e pintou o corpo todo de preto, num trabalho em que evocava o êxtase das santas esculpidas pelo barroco italiano Gian Lorenzo Bernini.
Os bailarinos da companhia francesa Les Gens d'Uterpan também tiveram seu momento à vontade. De cueca e calcinha, babaram uns sobre os outros em poses contorcionistas que armaram pela galeria.
É verdade que a nudez, nesse caso, estava de acordo com o objetivo. Mas cansou a repetição, a certeza quase absoluta de que performance, no imaginário de boa parte dos escolhidos para esta Verbo, ainda é sinônimo de ficar pelado e fazer alguma coisa, qualquer coisa.

Vertente sonora
Funcionou, por outro lado, a vertente sonora desta edição. Se babando o Les Gens d'Uterpan conseguiu um impacto médio, o olhar fixo que jogava sobre os visitantes valeu mais, adensado pelos graves potentes de caixas de som espalhadas pela galeria. O mesmo valeu para Maurício Ianês, que fez reverberar pelo espaço uma sinfonia orgânica distorcida.
Daniel Fagundes, que no ano passado tentou enfiar mais de dez pessoas peladas num Fusca, orquestrou um concerto de buzinas com vários carros estacionados no pátio da galeria. Perdeu o ritmo, mas ganhou com a fusão de sua algazarra aos rojões do Pacaembu vizinho em noite de clássico.

Riso e choro
Vestidos, os espanhóis da dupla Los Torreznos transformaram a língua em instrumento abstrato em duas performances irretocáveis. Gritando "la cultura" à exaustão e, no dia seguinte, "el dinero", protagonizaram o momento mais que saudável em que a arte desceu do pedestal e riu de si mesma.
Mais para o choro, a turca Nezaket Ekici se pendurou do teto de ponta-cabeça e leu notas de agressão contra mulheres. Vestia uma burca. Não é preciso dizer que, nesse contexto, foi mais transgressora do que as várias peladas que desfilaram pelas salas da Vermelho.
A Verbo fechou ao som de uma canção triste em fita cassete, que o colombiano Ícaro Zorbar fez tocar com um mecanismo instalado num ventilador. Rolava a música e a fita magnética se desenrolava no vento em desenhos no ar -promessa sólida de que restam novos rumos para a performance.

Jean Dubuffet ganha primeira retrospectiva na América Latina

Gabriela Longman da Folha de S.Paulo

O escritório da Fondation Dubuffet fica escondido nos fundos de um prédio na região de Saint Germain de Près, em Paris. Foi dali que partiram 84 obras para a primeira retrospectiva do artista na América Latina, que abre nesta quinta-feira (16) para o público no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo.

A obra "Temps et Lieux", de 1979, que integra mostra no Instituto Tomie Ohtake

Ao lado das mostras de Matisse e Léger --ambas na Pinacoteca--, Jean Dubuffet (1901-1985) completa a trinca de grandes nomes do modernismo trazidos pelo Ano da França no Brasil. Trata-se, no entanto, de um modernista tardio --sua produção se concentra na segunda metade do século 20--, que nega aspectos do movimento e, em boa medida, prepara tendências futuras da arte.

A diretora da fundação Sophie Webel recebeu a reportagem da Folha poucos dias antes de embarcar, ela também, para São Paulo. Explicou o percurso que preparou para a mostra e as diferentes fases do artista que estarão ali retratadas. No começo, até os anos 40, Dubuffet era comerciante e pintava ao mesmo tempo. Apenas em 1942 assumiu-se como "artista" e passou a trabalhar ininterruptamente.

Esse "trabalhar" era múltiplo. Pintava, pensava, escrevia, experimentava, esculpia. No segundo núcleo, se encontram as pesquisas com texturas que fez nos anos 50 trabalhando com areia, papel, resíduo industrial, folhas secas.

Seu trabalho se aproxima e se distancia da abstração (embora rejeitasse a oposição figurativo/ abstrato). "Ele [Dubuffet] achava essa categorização redutora", disse Webel ao explicar a fase do Hourloupe. Criados entre 1960 e 1972, esses trabalhos são feitos a partir de cores puras --azul, vermelho e preto-- e de formas entremeadas numa espécie de labirinto pictórico.

As mesmas cores e tipo de forma aparecem transformados nas pinturas-fantasias-esculturas da performance "Coucou Bazar", criada em 1973 e vista pela primeira vez no Guggenheim, em Nova York, um grande destaque da mostra.

O nome da arte

Muitos mal-entendidos que cercam sua figura se associam ao conceito de "arte bruta", expressão cunhada por ele para designar a arte espontânea feita fora do circuito cultural.

"A arte não vem deitar na cama que fazemos para ela", escreveu em 1960. "Ela escapa logo que pronunciamos seu nome." Partindo dessa ideia, Dubuffet se interessou pela arte rupestre, pela arte feita por crianças, presidiários, doentes mentais. Criou importante coleção dessas obras, foi influenciado por elas, mas não deve ser classificado como artista bruto.

JEAN DUBUFFET
Quando: de terça a domingo, das 11h às 20h, até 7/9 Onde: Instituto Tomie Ohtake (r. Coropés, 88, tel. 0/xx/11/2245-1900)
Quanto: entrada franca

Curador da Bienal de 2010, Moacir dos Anjos quer arte política

Fabio Cypriano
da Folha de S.Paulo

Política, sem a institucionalização de um museu ou o afã pelo novo de uma feira de arte. Em síntese, essas são as linhas gerais que vão direcionar a organização da 29ª Bienal de São Paulo, segundo o curador Moacir dos Anjos, anunciado nesta segunda-feira (13) pelo presidente da Fundação Bienal, Heitor Martins, conforme a Folha havia adiantado.

De Londres, via Skype, o pernambucano Dos Anjos, 46, explicou o projeto inicial que irá conduzir a preparação da mostra, ainda sem data de abertura definida, mas que deve ocorrer em fins de setembro ou começo de outubro do próximo ano.

"O Moacir é o coordenador do grupo curatorial, outros cinco nomes ainda devem ser incluídos, três deles estrangeiros. O conceito de equipe é importante para marcar um pluralismo de visões", afirmou ontem Martins, na sede da Fundação Bienal. Os demais curadores serão anunciados em agosto.

A 29ª Bienal não terá um tema específico, mas será organizada como uma "plataforma discursiva", disse Dos Anjos. "Um tema costuma constranger as obras a um ponto específico e por seu tamanho." De acordo com o projeto apresentado pelo curador, isso significa que "o aspecto central dessa plataforma será o reconhecimento do caráter ambíguo que a arte exibe desde que se viu liberta de sua função de meramente representar o mundo".

O curador trabalha a exposição com um título ainda provisório, "Há sempre um copo de mar para um homem navegar", verso do poeta alagoano Jorge de Lima. "Vamos dar ênfase à arte como produtora de uma visão de mundo que, em potência, pode transformar a realidade", disse o curador, ao explicar o caráter político da mostra.

Ao preparar o projeto da 29ª Bienal, Dos Anjos falou que teve em mente outras mostras, com as quais pretende dialogar: "Não sou ingênuo ou arrogante para achar que vou inventar a roda. A Documenta 11, de 2002, a última Bienal de Sydney, e a 24ª e 27ª Bienais de SP são as mostras que tive em mente para elaborar o projeto."

Sobre a Documenta 11, Dos Anjos ressaltou a mescla entre os vínculos estabelecidos da arte feita no presente com a produção do passado, o que deve ocorrer também na 29ª Bienal. Outro viés importante da exposição, também segundo o curador, será seu caráter experimental, que foi lembrado a partir da concepção do crítico Mário Pedrosa em sua famosa formulação "a arte é o exercício experimental da liberdade".

A produção brasileira também será fortalecida, sem ser organizada em gueto. "Pretendo romper com a leitura crítica dominante que a arte política brasileira ocorreu só nos anos 1960 e 70."

Segundo Martins, a exposição deve custar cerca de R$ 25 milhões, além de R$ 5 milhões para o setor educativo. O curador volta amanhã para Recife. Ele não terá residência permanente em São Paulo.

Viúva tira de circulação obra atribuída a Joseph Beuys

fonte DW

Beuys se apresenta: 'A revolução somos nós'

Em nome do marido, Eva Beuys zela para impedir a exposição de obras duvidosas. Como a vitrine com lixo recolhido por ele em 1973. Disputa bizarra, tratando-se de alguém que afirmava que "toda pessoa é um artista".

Não é fácil ser artista conceitual. Nem mesmo postumamente. Uma disputa em curso entre a viúva de Joseph Beuys (1921-1986) e um amigo do artista, René Block, ilustra bem os riscos dessa atividade no limiar entre as artes plásticas, a ação política e o exibicionismo pessoal.

No dia 1º de maio de 1972, Beuys realizou uma ação em Berlim intitulada Ausfegen (Varredura). Juntamente com dois estudantes, recolheu lixo das ruas do lado ocidental (capitalista) da metrópole alemã, usando uma vassoura vermelha (comunismo?). Considerando o material recolhido interessante demais para ir parar no lixo, ele o confiou a Block.

Durante 13 anos, o amigo preservou aquele cantinho em sua galeria, limpando-o periodicamente de lenços de papel, bilhetes de ônibus e outros dejetos acrescentados por visitantes distraídos. Tratava-se de preservar o lixo de Beuys em sua forma original.

Terno de feltro exposto em Santiago de Compostela

Vitrine de sucesso

Aí veio a ideia da vitrine. Segundo o jornal Frankfurter Allgemeine Zeitung (FAZ), em 1985, poucos meses antes da morte do artista natural de Krefeld, seu amigo decidira arranjar vassoura, poeira, garrafas de bebida, paralelepípedos etc. numa caixa branca de madeira com janela: uma vitrine como as que Beuys empregara tantas vezes.

Block assegura: "Combinei tudo com Beuys, a coisa ocorreu de acordo com sua vontade". E, mesmo não havendo qualquer registro escrito dessa vontade, iniciou-se ali uma carreira gloriosa. Ausfegen foi exposta na Kunsthalle de Hamburgo, no Hamburger Bahnhof de Berlim, na Tate Modern de Londres e, por fim, na mostra Arte de duas Alemanhas, do Los Angeles County Museum of Art.

Entra a viúva

Em abril de 2009, quando a vitrine se encontrava a caminho da exposição Arte e Guerra Fria, no Neues Museum de Nurembergue, entra em cena Eva, a viúva de Beuys.

Ela já tolerara demais que "Varredura" fosse exposta em nome do finado. "A obra não foi autorizada, nem paga", contabiliza. E acrescenta (note-se o emprego do presente do indicativo): "Meu marido não manda expor coisas que não fez de modo algum".

Eva Beuys acha a vitrine bonita, mas "uma obra de meu marido, nessa forma ela não é". Seja como for, a peça está fora de circulação até que os respectivos advogados consigam definir a distinção entre lixo puro e um Beuys legítimo.

A César o que é de César

A viúva propõe que, caso exposta, Ausfegen seja atribuída a René Block, o qual, afinal de contas, a produziu. Este rejeita a ideia – "Todo o mundo da arte ia rir, não dá, não" – e nem pensa em vender o objeto.

Justiça seja feita: durante uma disputa anterior, ainda em 1987, o amigo do artista afirmara não tratar-se de uma autêntica vitrine beuysiana, mas sim de um mero depósito de material. Na época, a peça foi avaliada em 300 mil marcos alemães (cerca de 150 mil euros).

Finanças à parte, a atual celeuma sobre autoria e propriedade talvez não soaria tão bizarra e mesquinha, se não se tratasse justamente do legado de alguém como Joseph Beuys, que pregava que "toda pessoa é um artista".

Na realidade, apesar de propagar uma doutrina tão liberal, a vida do misto de artista plástico, performer, ativista, xamã, clown e teórico confuso tampouco foi livre de contradições. Como demonstrou o "caso da banheira suja".

Banheira suja e canto de sebo

Em 1973, sua unbetitelt (Badewanne) [sem título (Banheira)]aguardava para ser exposta em Wuppertal, por empréstimo permanente de seu proprietário, um colecionador importante. Tratava-se de uma banheira de bebê, trabalhada com pedaços de esparadrapo e bandagens.

Unschlitt/Tallow: blocos de sebo no Hamburger Bahnhof de Berlim

Paralelamente, realizava-se no local do depósito, o Museu de Leverkusen, uma festa do Partido Social Democrata (SPD). À procura de um recipiente para lavar copos de cerveja, duas deputadas depararam com a banheira "suja". Ignorantes de seu estatuto de obra de arte, elas fizeram o impensável: esfregaram-na até ficar brilhando, depois utilizando-a para seus fins pragmáticos.

Beuys foi o primeiro a não achar graça de tamanha insensibilidade artística. Seguiu-se um processo, ao fim do qual a cidade de Wuppertal, na qualidade de detentora do empréstimo, foi sentenciada a pagar 40 mil marcos ao proprietário. O artista recebeu a banheira – limpa – de volta, e refez a obra.

Treze anos mais tarde, a destruição – igualmente involuntária – de um dos numerosos Fettecke (Cantinho de sebo) de Beuys pelo zelador da Academia de Arte de Düsseldorf resultou em sentença semelhante.

Beuys e Da Vinci

No entanto, agora, mais do que nunca, seu acervo parece estar em mãos seguras. Eva Beuys tornou-se extremamente sensível para questões de propriedade intelectual, desde um prolongado – e, segundo o FAZ, "indigno" – debate com o Museu Moyland sobre se era lícito substituir uma barra de chocolate, numa instalação de Beuys, por uma imitação de papelão.

A herdeira não parece ter dúvidas sobre sua missão. Ao comentar a notoriedade de Ausfegen, ela passa por cima dos postulados do próprio marido sobre "obra" e "artista", e carrega nas tintas sem medo: "É como uma falsificação de Leonardo da Vinci que as pessoas amam mais do que o original".

Autor: Augusto Valente
Revisão: Rodrigo Abdelmalack

Críticos lançam Manifesto em Defesa da Exibição das Obras de Arte Brasileiras

Críticos de arte de São Paulo e do Rio de Janeiro lançaram em 01/07/09 o "Manifesto em Defesa da Exibição Pública das Obras de Arte Brasileiras", contra herdeiros de artistas que cobram até R$ 150 mil para autorizar a exposição de obras e a publicação de suas imagens. Depois que trabalhos de Volpi ficaram de fora de um catálogo do Instituto Moreira Salles e de problemas com imagens de Lygia Clark, o documento afirma que é "inaceitável" o "controle sobre informações e interpretações de obra e artista". A iniciativa tem o apoio de críticos de arte como Fernando Cocchiarale, Ferreira Gullar, Glória Ferreira, Guilherme Wisnik, Luiz Camillo Osório, Otavio Leonídio, Rodrigo Naves e Ronaldo Brito, entre outros.

O último grito

Projeto de intervenção pública do artista brasileiro Henrique
Oliveira, que fará parte da próxima edição da Bienal do Mercosul

Silas Marti da Folha de S. Paulo

Grito e escuta. De uma ponta a outra, quase 200 artistas estão escalados para a próxima Bienal do Mercosul, divididos entre aqueles que berram e os que absorvem o impacto.
Na véspera do anúncio oficial, marcado para amanhã em Porto Alegre, a Ilustrada antecipa os principais nomes da sétima edição da mostra, que já se consolidou como um dos maiores eventos de arte contemporânea no hemisfério Sul.
Estão escalados desde jovens em ascensão -os brasileiros Henrique Oliveira e Cadu Costa e o peruano José Carlos Martinat- a veteranos, como Anna Maria Maiolino, e artistas históricos, como Flavio de Carvalho, o belga James Ensor e o americano John Cage.
Este último serve de espinha dorsal à mostra, que começa em outubro em Porto Alegre. Suas performances e composições experimentais são um roteiro para "Grito e Escuta".
"A Bienal em geral tem um interesse por tudo o que é exploração sonora", resume a argentina Victoria Noorthoorn, curadora-geral da exposição junto do chileno Camilo Yáñez.
Tanto que até uma rádio, coordenada pela artista Lenora de Barros, está no projeto, veiculando obras e intervenções sonoras uma hora por dia. "É uma possibilidade de irradiar essa Bienal", diz Noorthoorn. "Ela vai estar no ar."
Não é a primeira vez que isso acontece. A última Trienal de Luanda, evento bem menos conhecido, programou intervenções em rádio e televisão. Questões sonoras, aliás, já estavam de volta com força total num revival do gênero no início desta década, com mostras emblemáticas em museus e galerias de Londres e Nova York.
Também se repete a estrutura da mostra. A exemplo da Bienal de Lyon e outras mostras, um time de dez artistas, no lugar de curadores, cuidou da seleção de nomes para a exposição. Entre eles, estão os brasileiros Artur Lescher, Laura Lima e Lenora de Barros, o colombiano Bernardo Ortiz e o mexicano Erick Beltrán.
É um time que reflete em parte a origem dos escolhidos. O Brasil é o país mais bem representado na lista, seguido de Argentina, Chile e Colômbia. "Sabemos que uma bienal com curadoria de artistas não é uma novidade", diz Noorthoorn. "Não temos nenhuma pretensão de originalidade."

Exposição crua
De fato, a pretensão é outra. Querem fazer o artista aparecer menos como autor e mais como agente cultural. "Não há nenhum artista homenageado, nenhuma individual", adianta Camilo Yáñez, artista e curador-geral. "São todos nomes que estão numa posição transversal, como John Cage."
"Ele marcou a queda do egocentrismo, negava a autoria em nome de uma arte social", diz Noorthoorn sobre o americano, que terá duas de suas performances refeitas na mostra. "Não é só o artista que grita, eles renunciam aqui ao capital técnico e simbólico, fazem uma exposição mais crua, sem ornamentos, retórica e acessórios."
Ajuda nessa crueza o fato de muitos dos quase 200 nomes na mostra serem estreantes em bienais, marcando um diálogo fresco com obras dos mestres.
"Queríamos uma bienal para dar valor e espaço a gente excepcional que não teve reconhecimento", admite Noorthoorn. "Se tivéssemos seguido ao máximo nossos instintos, teríamos só artistas estreantes."
Ainda em sintonia com a proposta central da Bienal do Mercosul, de exibir e contextualizar a produção latino-americana, a mostra tenta trazer à tona alguns nomes esquecidos, como o pioneiro chileno da videoarte, Juan Downey, e o compositor brasileiro Guilherme Vaz.
Artistas conhecidos em países vizinhos e pouco vistos no Brasil também têm vez. O artista e estilista argentino Sérgio De Loof, conhecido por seus desfiles-protesto, planeja um happening para a exposição.
Extrapolando o campo das artes para outras esferas, o coreógrafo brasileiro Luiz de Abreu também fará uma performance na Bienal, marca de uma vontade multidisciplinar que volta e meia contamina o campo das artes plásticas.
"Não é um interesse por sair das artes visuais, e sim postular que as artes plásticas trabalham com outras disciplinas", diz Noorthoorn. "Não sei se acreditamos tanto numa divisão entre essas disciplinas."

Bienal de São Paulo importa modelo gaúcho de gestão

Folha de S. Paulo

Não causou espanto a escolha de Justo Werlang para integrar a nova diretoria da Bienal de São Paulo. O empresário e colecionador, que esteve até agora à frente da Bienal do Mercosul, entrou na chapa do novo presidente, Heitor Martins, para modernizar a gestão fraca e datada da mostra paulistana, afundada em dívidas.
Embora evite fazer críticas às gestões de Manoel Francisco Pires da Costa, que presidiu a Fundação Bienal de São Paulo até maio deste ano, Werlang reconhece que os planos do novo presidente são parecidos com o que se fazia em Porto Alegre.
"É muito difícil falar de fora, com a visão de um outsider", diz Werlang. "Objetivamente [a nova gestão paulistana] é o que nós gostávamos de praticar na Bienal do Mercosul."
Fundado em 1997, o evento em Porto Alegre teve público comparado ao da Bienal de São Paulo em suas últimas três edições, com mais de 1 milhão de visitantes em 2003. Custou em média R$ 8 milhões por edição, com maior parte dos recursos captados via Lei Rouanet, seguida de verbas do Estado do Rio Grande do Sul e de patrocinadores -o maior deles é a empresa metalúrgica Gerdau.
A edição atual da Bienal do Mercosul está orçada em R$ 7,5 milhões e terá cerca de 200 artistas. Numa comparação rasteira, a última edição da Bienal de São Paulo custou R$ 11 milhões e teve cerca de 40 nomes.

Estrutura fixa

Segundo Werlang, manter uma estrutura fixa entre uma edição e outra da mostra é parte do sucesso do evento gaúcho. Em vez de dissolver as equipes como faz a Bienal de São Paulo, a do Mercosul mantém um projeto pedagógico funcionando, além de outros setores.
"Existe uma estrutura fixa", afirma Werlang. "Em todas as áreas, há pessoas que operam durante o período todo."
Werlang também defende o processo de escolha do curador adotado na última Bienal do Mercosul, em que um concurso internacional escolheu um projeto vencedor. Em São Paulo, a nova diretoria escolheu Moacir dos Anjos para a curadoria da próxima edição, que será oficializada hoje (SM)

Moacir dos Anjos dirige Bienal de SP

Crítico de artes plásticas foi escolhido diretamente pelo presidente da fundação, Heitor Martins, e será anunciado hoje

Dos Anjos deve indicar pelo menos mais dois nomes, provavelmente vindos do exterior, para trabalharem na 29ª edição, em 2010

Fábio Cypriano da Folha de S. Paulo

O presidente da Bienal de São Paulo, Heitor Martins, anuncia, hoje, Moacir dos Anjos como o curador da 29ª Bienal de São Paulo, que será realizada no próximo ano, segundo apurou a Folha.
Diferentemente das últimas duas edições, que tiveram seus curadores, Lisette Lagnado (27ª) e Ivo Mesquita (28ª), escolhidos por processo seletivo, desta vez a indicação ocorreu diretamente pelo presidente.
Na entrevista coletiva marcada para hoje, na sede da Bienal, Dos Anjos não estará presente. Atualmente ele vive em Londres, onde realiza um pós-doutorado em arte transnacional, identidade e nação na Camberwell College of Arts.
Segundo a Folha apurou, o curador deverá apontar nos próximos dias, ao menos outros dois curadores para trabalhar com ele na Bienal, provavelmente nomes estrangeiros.
De acordo com Martins, o motivo da indicação sem processo seletivo foi facilitar o trabalho do curador, que terá pouco mais de um ano para organizar a exposição. O atraso na escolha, contudo, não tem a ver com o novo presidente, que foi eleito há pouco mais de dois meses, por conta da difícil situação financeira em que a fundação se encontrava.
Economista por formação, da graduação ao doutorado, Dos Anjos começou a se projetar no cenário artístico como diretor do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), de Recife. Entre 2001 e 2006, ele organizou mostras de artistas como Rosângela Rennó e Nelson Leirner.
Em 2004, ele foi curador da mostra Paralela, evento organizado pelas galerias paulistas simultâneo à Bienal de São Paulo, que chegou a ser considerado melhor que ela própria. Em 2006, ele foi curador da exposição de Cildo Meireles, na Pinacoteca do Estado, umas das mais importantes mostras do artista no país.
Já em 2007, foi um dos cocuradores da Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, além de responsável pela mostra bienal Panorama da Arte Brasileira, do MAM de São Paulo, intitulada "Contraditório", também exibida em Madri, em 2008.

Curador da Bienal 2010 será anunciado na segunda

LISTA TRÍPLICE
Heitor Martins, presidente da Fundação Bienal de SP, anuncia na segunda o nome do curador da Bienal de 2010. Três nomes são cotados: Tanya Barson, curadora internacional da Tate Modern de Londres, o argentino Carlos Basualdo, do Museu de Arte Contemporânea da Filadélfia, e Moacir dos Anjos, ex-diretor do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, do Recife.

FESTA NO PAVILHÃO
E a nova diretoria da Bienal vai fazer uma festa para 400 convidados em setembro, no pavilhão do parque Ibirapuera, para levantar fundos para a mostra de 2010, orçada em cerca de R$ 25 milhões.

Carta de ex-namorado motiva exposição de Sophie Calle em SP

Sesc Pompeia apresenta mostra idealizada a partir de mensagem de 'fora' recebida pela escritora francesa

Camila Molina, de O Estado de S. Paulo

Nilton Fukuda/AE

Sophie convidou 107 mulheres para interpretar a carta que recebeu do escritor Grégoire Bouillier

Para a artista e escritora francesa Sophie Calle, a única maneira de fazer arte é usar a narrativa e dentro desse terreno, seu artifício preferido, que a tornou mundialmente conhecida, é o de se valer de experiências de sua vida pessoal para a criação de seus trabalhos. No caso da mostra Cuide de Você, que será inaugurada nesta sexta, 10, para convidados e sábado para o público no galpão do Sesc Pompeia - e que a partir de 22 de setembro será apresentada no Museu de Arte Moderna da Bahia -, tudo gira em torno da carta que Sophie recebeu do escritor Grégoire Bouillier na qual ele rompia o romance dos dois.

"Cuide de você" ou "Prenez soin de Vous", em francês, era a frase final do "fora" mandado por e-mail. "Levei essa recomendação ao pé da letra", afirma Sophie, que convidou 107 mulheres (entre elas, as atrizes Victoria Abril, Jeanne Moreau e Elsa Zylberstein) a interpretarem a carta e, a partir desse mote, criou uma instalação com textos, fotografias e vídeos, apresentada, pela primeira vez, em 2007, na Bienal de Veneza.

Prenez soin de Vous - ou Cuide de Você - já foi exibida também em Nova York antes de chegar ao Brasil. Além de não ser uma obra inédita, há ainda o fato de Sophie Calle e Grégoire Bouillier terem dividido uma mesa de debates no último dia 4 na Festa Literária Internacional de Paraty (Flip), evento que tinha como apelo ser o "reencontro público" dos dois depois do rompimento.

"O fim natural dessa história foi lá", diz, agora em São Paulo, Sophie, enquanto fazia os últimos ajustes da montagem de Cuide de Você no Sesc Pompeia. Seu desapego à privacidade é tratado com naturalidade: "Não é de minha vida que se trata, não sou o tema principal", afirma a francesa ainda com um pouco de defesa contra uma visão simplista de suas criações - ela deixa para os críticos as críticas.

A artista francesa, nascida em 1953, enumera que Jerusalém, a queda do Muro de Berlim e roubos de quadros já foram temas de seu trabalhos, mas seu gosto pelo voyeurismo (de sua vida ou de outros) ou pela operação de raiz lacaniana de "dar a ver" excertos de sua vida se transformou na característica mais pungente de sua proposta de tratar a barreira entre o público e o privado. Se for para citar trabalhos anteriores, a conceitual Sophie Calle já criou obras em que coloca as anotações de um detetive que a perseguiu por um dia ou série feita a partir do pedido de que amigos, desconhecidos e a sua mãe dormissem em sua cama para que fossem fotografados e analisados por ela em textos.

Agora, como conta a O Estado de S. Paulo, está produzindo um trabalho com uma leitora de cartas de tarô: a vidente lê o futuro de Sophie e ela própria o adianta e experimenta. "O lugar que ela vê nas cartas no qual estarei futuramente, eu já vou antes a esse local e filmo e fotografo minha experiência. Parece que terei de ir ao México", diz a artista.

No caso de Cuide de Você, o ponto de partida foi esmiuçar até a exaustão a carta que recebeu de Bouillier. Mulheres escolhidas por suas profissões, ou seja, trabalhos que envolvem, de alguma forma, a relação com textos - jornalista, advogada, atrizes, cantoras, uma palhaça, cartunista, pesquisadoras de léxicos, etc, - interpretaram a carta de Sophie de maneiras diversas. Tudo se transformou numa grande instalação, não apenas com os vídeos nos quais elas aparecem fazendo suas interpretações da carta (de uma página, deve-se dizer) e com retratos de cada uma, mas com painéis nos quais estão gráficos, sentenças destacadas, cartas de tarô, enfim, uma série de ações dentro de uma estratégia de fragmentação e acumulação de um mesmo tema.

Todas as mulheres falam (ou cantam, ou gritam, etc.) o texto em sua própria língua (os vídeos são acompanhados de legendas), interpretam o mesmo de forma diferente. O "fora" ganha status dos mais diversos: vai da escala do triste à ridicularização - cópias da carta podem ser levadas pelo público.

Para cada lugar em que Sophie Calle exibe essa instalação ela propõe uma configuração. A versão para o Brasil é feita a partir das interpretações de 83 mulheres, de um pássaro e sala com seis filmes mudos. Recebe o visitante um painel com fotografias de mulheres com a carta e o vídeo no qual a atriz portuguesa Maria de Medeiros fala o texto do e-mail deitada de bruços sobre um divã - foi a forma de fazer o espectador já identificar o contexto pela fala em português. "O trabalho de Sophie Calle desmistifica a abstração que existe em torno da arte contemporânea, tem um approach com o público", diz Solange Farkas, diretora do Videobrasil e do MAM da Bahia. Cuide de Você, realização do Sesc São Paulo e um dos destaques da programação do Ano da França no Brasil, substituiu a edição que ocorreria este ano do festival Videobrasil (o próximo, em novo formato, será em 2011).

Sábado, às 15 h, Sophie Calle faz palestra no teatro do Sesc Pompeia aberta ao público. A exposição é acompanhada de uma série de encontros, palestras e atividades e cuidadoso projeto educativo. Tudo pode ser conferido no site www.sophiecalle.com.br e nele, também, as pessoas estão convidadas a criar a partir de Cuide de Você.

Sophie Calle - Galpão do Sesc Pompeia - Rua Clélia, 93, Pompeia. 3871-7700. Das 10h às 21h (dom. Até 20h;fecha 2.ª). Grátis. Até 7/9

Exposição traz produção contemporânea de artistas argentinos

Camila Molina do Estado de S. Paulo

Tão perto e um pouco longe. O curador carioca Franklin Espath Pedroso garante que os argentinos conhecem mais de arte brasileira do que o contrário - apesar de vizinhos, temos contato apenas com alguns ‘artistas pingados’ da Argentina, entre eles, Jorge Macchi, Leandro Erlich e Tomás Saraceno, que volta e outra expõem aqui e são criadores de renome internacional. Por isso, a exposição "Argentina Hoy" (Argentina Hoje), que acaba de ser inaugurada no Centro Cultural Banco do Brasil, tem justamente como mote apresentar, primeiro em São Paulo e depois no Rio, um panorama da arte contemporânea dos criadores argentinos por meio das obras de 33 artistas. A mostra é de uma visada aberta e livre, dando espaço de respiro para cada trabalho.

"El Cuarto Rosa", fotografia do argentino Marcos López, que está em coletiva aberta hoje pelo CCBB

Mesmo assim, uma característica desponta ao ver a reunião das obras argentinas, a presença da figuração, vertente que não é surpreendente porque está em confluência com as criações de todo o mundo. É o dado figurativo que reúne os trabalhos da mostra, mais do que uma vontade de se criar um espaço para a procura de um diagnóstico de tendências da arte daquele país - apesar de a fotografia predominar. "A exposição tem duas vertentes, uma que trata do tema da cidade; a outra, das criações de mundos próprios, imaginários", diz Pedroso, que divide a curadoria da exposição com a curadora argentina Adriana Rosenberg.

Jorge Macchi, que em sua poética inteligente extrai de signos simples do cotidiano os motivos de suas obras, já afirmou que a entrada para as obras devem se dar pela porta visual - uma imagem figurativa - e não pela armadilha do "deciframento de uma ideia", e esse talvez seja um mote pensado por seus conterrâneos Mas é curioso perceber na exposição que a opção pela figuração na arte contemporânea argentina vem junto da constância de uma poética que carrega algo político entremeado, sendo essa ação por vezes mais delicada e intimista e por vezes mais explícita - como no vídeo de Ana Gallardo, no qual a artista, desalojada de sua casa em plena crise econômica, carrega seus pertences numa bicicleta tal fosse uma catadora de papel, ou nas pinturas excessivas de animais mortos de Mariana López. "A atmosfera política controversa da Argentina não poderia deixar de entrar nos trabalhos dos artistas", afirma o curador. A figuração, portanto, é maneira de marcar alguma posição.

Dentro dela, mesmo quando a vertente é a do mundo imaginário, não se trata de escapismo, pelo contrário. No cofre do CCBB, por exemplo, Marina De Caro apresenta a instalação "Entre Parêntesis", um espaço rosa, com desenhos feitos a pastel, e que tem ainda um tapete fofo de tecido no chão, só que com figuras humanas costuradas em si. Uma atmosfera delicada se faz dentro desse lugar imaginário, como se tudo estivesse em "um contínuo", "sem um limite", como diz a artista, completando que se trata de uma obra sobre o tema da imigração. "Quis criar um espaço que remetesse a ideia de se ter saído de um lugar para ir a outro, que vai chegar, sem que se deixe uma memória de lado", afirma ainda Marina. Erlich também faz uma menção política com sua instalação no primeiro piso, um jogo de espelhos e janelas que promove a ilusão de presença e ausência; e Silvia Rivas com videoinstalação trata de forma poética sobre a urgência.

Outra característica argentina que se percebe é uma recorrência de citações à história da arte. Nesse caso, chama a atenção, na entrada do CCBB, a pintura feita in loco por Leila Tschopp, "O Contexto sou Eu", a criação de uma paisagem arquitetônica de jogo de perspectivas que remete à obra metafísica de Giorgio De Chirico. Ainda nessa vertente, as fotografias encenadas de RES y Constanza Piaggio e de Nicola Costantino.

SERVIÇO:

"Argentina Hoy" - Centro Cultural Banco do Brasil - Rua Álvares Penteado, 112, Centro, 11 3113-3651 - 10 h/20 h (fecha 2.ª) - Grátis - Até 30/8.(AE)

II Concurso Mário Pedrosa de Ensaios sobre Arte e Cultura Contemporâneas Fundação Joaquim Nabuco

A Diretoria de Cultura da Fundação Joaquim Nabuco, por meio da Coordenação Geral de Capacitação e Difusão Científico-Cultural- CGCADIF, realiza o II Concurso Mário Pedrosa de Ensaios sobre Arte e Cultura Contemporâneas.

Constitui objeto do concurso a seleção em âmbito nacional de três ensaios, resultado de pesquisa inédita e original, elaborados desde disciplinas e pontos de vistas variados que versem sobre Arte e Mundo após a crise das utopias, tema escolhido nesta 2ª edição. O tema lançado pretende ser ao mesmo tempo objeto e circunstância para discussões mais específicas a serem desenvolvidas e apresentada.


Os três primeiros trabalhos considerados vencedores do concurso receberão prêmio individual em moeda nacional nos valores brutos de 30 mil reais, para o primeiro lugar; 20 mil reais, para o segundo; e 10 mil reais, para o terceiro.

As inscrições para o concurso são gratuitas e deverão ser realizadas por sedex ou pelos concorrentes ou seus procuradores no período de 10 de junho a 18 de setembro de 2009, das 9h às 12h e das 14h às 17h, no seguinte endereço: Fundação Joaquim Nabuco – Diretoria de Cultura. Rua Henrique Dias, 609, Derby – Recife-PE. CEP: 52.010-100. Tel.: (81) 3073-6659/6660.
Maiores informações no site: http://www.fundaj.gov.br

FLIP: Sophie Calle x Grégoire Bouillier

Bouillier e a história de amor que virou ódio

Argelino mostra O Convidado Surpresa, sobre caso conturbado com Sophie Calle

Antonio Gonçalves Filho

O escritor argelino Grégoire Bouillier, de 49 anos, já foi andarilho, jornalista e pintor. Hoje é escritor premiado. Seu primeiro livro, Rapport Sur Moi (Relatório sobre Mim), publicado em 2002, rendeu a ele o Prix de Flore daquele ano e definiu o gênero que Bouillier usa ("relato") para se referir a O Convidado Surpresa (Cosac Naify, tradução de Paulo Neves, 120 págs., R$ 35), livro que o trouxe para a sétima edição da Festa Literária Internacional de Paraty (Flip). Nesse relato, produzido há cinco anos, Grégoire Bouillier conta como conheceu a artista conceitual Sophie Calle, de quem se separou por e-mail, recebendo como resposta uma série de vídeos ultrajantes mostrados na Bienal de Veneza de 2007, em que ela pedia a famosas atrizes, performers, bailarinas e até a uma palhaça que interpretassem a mensagem de rompimento. Hoje, às 11h45, o casal volta a se encontrar numa mesa de debate, que promete lavar a roupa suja dessa relação artística e epistolar.

Bouillier conta que esteve presente à festa de lançamento desses vídeos e que foi interpelado por uma das mulheres. "Ela me provocou, dizendo que eu era bastante corajoso para estar lá." Bem, para quem pagou uma pequena fortuna por uma garrafa de Margaux Château de Tertri 1964 apenas para conquistar a mimada Sophie no dia em que a artista comemorava seus 37 anos, em 1990, coragem é o que não falta a Bouillier. Não que a tradição epistolar (mesmo que seja por correio eletrônico) exija do missivista uma dose excessiva de ousadia. A bem da verdade, a literatura francesa está cheia de rompimentos por cartas e livros autobiográficos em que a vida privada dos escritores é mais pública e devassada que nos atuais reality shows.

O escritor detesta a comparação. Diz que a relação dos dois não pode ser reduzida a um gênero que manipula a verdade como o reality show. Para ele, o relacionamento com Sophie Calle foi para valer. No livro O Convidado Surpresa, Bouillier conta como ficou emocionado ao receber, no dia da morte de Michel Leiris, um convite para ir à festa dela num sábado, 13 de outubro de 1990. Não podia imaginar que Sophie Calle fosse um dia fazer dessa relação amorosa um espetáculo público de ressentimento feminino, provocado por um ruído de comunicação. Ele jura que não pretendeu ser indelicado ao enviar a mensagem eletrônica dispensando a namorada. Esperava que ela respondesse ao e-mail. Como só existe uma coisa pior que uma mulher rejeitada - um homem humilhado -, Sophie Calle deu liberdade para outras mulheres lerem e interpretarem a mensagem, deixando Bouillier arrasado, especialmente porque a palhaça que lê a carta num dos vídeos da artista critica sua "sintaxe rudimentar".

"Acho que ela foi desonesta", sintetiza, "especialmente porque não revelou os antecedentes desse e-mail." Além disso, segundo Bouillier, ela o atingiu em seu ponto nevrálgico, sua atividade literária, dedicada a "elucidar a realidade por meio dela, exatamente como fez Virginia Woolf". As referências do escritor não abrigam nanicos, só gigantes da literatura, como James Joyce e Paul Valéry. A despeito disso, diz que a história da literatura tem apenas um pequeno papel em seu projeto literário, a autoficção, em que o autor faz uso de experiências pessoais para criar um espaço narrativo. "Meus livros não são romances nem obras memorialistas, apenas relatos", explica, embora seu mais recente lançamento, Cap Canaveral, conte a história de um escritor maduro e uma jovem admiradora. Autobiográfico? Sem dúvida. Por seguir o conselho literário de Michel Leiris, Bouillier jamais escreveria algo se não fosse para iluminar certas coisas

Elefante Branco se abriga em casarão

Artistas abrem hoje exposição nos Jardins, em que apresentam obras e promovem conversas com o público

fonte: O Estado de S. Paulo

Um casarão da década de 1930 vazio no nobre bairro paulistano do Jardim Europa é um "elefante branco" para a nossa época, mas, ao mesmo tempo, um espaço prolífico para abrigar uma exposição de arte contemporânea por seus cômodos e lugares (internos e externos) com obras que dialogam com sua arquitetura. Há cerca de um ano um grupo de artistas teve a ideia de ocupar a casa com uma mostra viva, que, a partir de hoje e até dia 26 pode ser vista, apresentando no local criações de Alexandre Fehr, Ana Paula Oliveira, Antônio Brasiliano, Cibele Lucena, Eduardo Verderame, grupo Esquizotrans, Flávia Sammarone, as irmãs Joana Traub Csekö e Júlia Csekö, Marcos Vilas Boas, Mônica Rizzolli, Peetssa, Renato Pera, Rodrigo Araújo e Túlio Tavares.

Pela própria definição do que o casarão representava, vazio, para esses artistas - e para qualquer um -, a exposição ganhou o nome de Elefante Branco, mas esse título ainda abre janelas de metáforas relacionadas ao sistema artístico, uma delas, a de que mostras têm se tornado espetáculos de caráter vultoso e inflado nas quais o que prevalece são conceitos de curadores e não as obras de arte em si, tampouco, a experiência do observador. Por isso, Elefante Branco tem o frescor de seu caráter experimental e de reflexão, já que também abarca a realização, aos sábados (a partir do dia 11), às 17 horas, de conversas abertas ao público com os participantes da mostra (têm entre 28 e 39 anos) e com os críticos André Mesquita, Cauê Alves, Fabiane Borges, Flávia Vivacqua e Ricardo Ramalho. "Artistas e pensadores são convidados a estabelecer diálogos entre si, estabelecer redes com corpos vivos e a casa, adensar a experimentação, expor o que está escondido: um movimento cultural como obra de arte", é a definição da ação por seus integrantes, como se pode ver no blog elefantebranco2009.wordpress.com.

O mais interessante desse "movimento cultural", organizado por Alexandre Fehr, Eduardo Verderame e Túlio Tavares é de que a ação não pretende ser uma afirmação de marginalidade, mas uma exposição plástica, com todos os seus códigos usuais e estrutura expositiva. "A exposição foi feita com cerca de R$ 2 mil a R$ 3 mil do grupo", conta Fehr. É um trabalho de colaboração, feito em rede, e, ao mesmo tempo, como diz Tavares, são mostras individuais dos artistas sem que cada um tenha pensado a relação com o espaço especial para criar sua obra (a casa, que pertence à família de um dos participantes, pode ser tratada como um amplo e temporário site specific).

O visitante/espectador pode, assim, adentrar na poética ou universo de cada uma das obras de Elefante Branco. Há os trabalhos de caráter político, como de Peetssa, Brasiliano e Verderame; os que tratam da questão da memória (até relacionada com o tema casa), de Flávia Sammarone e Júlia Csekö; desenhos intimistas de Mônica Rizzoli; ou a poderosa instalação escultórica de Ana Paula Oliveira.

Artistas criam obras a partir de escala doméstica

fonte: Folha de S. Paulo

Delson Uchôa e Rochelle Costi abrem individuais

Fotografia da série "Desmedida', de Rochelle Costi, em mostra

De frente para o Minhocão, uma mulher estende as roupas molhadas num varal do lado de fora da janela. Rochelle Costi fixou a imagem na memória como índice da escala que fabricou para a individual que abre hoje na galeria Luciana Brito.
"É o paradoxo entre a intimidade e a cena urbana", descreve Costi, 48. "A casa é feita numa escala que nos acolhe, mas dentro da metrópole nós somos sempre pequenos. A casa dela continua sendo a casa dela."
E Costi pegou emprestada uma casa em miniatura para fotografar as nove imagens da mostra. Vista sempre à luz do sol, até parece uma casa real, não fosse a escala contestada por objetos gigantes que ocupam a sala, o sótão, a entrada.
Uma cartela de anzóis parece ganchos de açougue, cartões-postais enfileirados viram grandes telas estocadas no porão, uma caixinha de couro toma o lugar de um enorme baú.
Na fotografia que chama de síntese da mostra, Costi deita a cabeça de uma boneca solitária na sala. Causa estranhamento o olhar artificial do pedaço de plástico, agigantado, faminto. É também parte do arsenal da artista na batalha por uma delicadeza torpe, uma disjunção de espaços que deixam vazar pelas frestas suas memórias afetivas.
"Sempre trabalho muito pensando na realidade", diz Costi. "Foram intervenções no espaço que eu registrei e que foram presenciadas só por mim, a casa como contêiner de tudo."
Buscando lastro para essa realidade, ela revela que usou câmeras analógicas e deixa ver até os tubos de negativos numa das imagens. Não há intervenções digitais, como se a fotografia de agora já tivesse perdido qualquer vínculo com o real.
Talvez pelo mesmo motivo, para não perder contato com o concreto, Delson Uchôa, que também abre individual hoje na Luciana Brito, faz questão de pintar sobre o piso de seu ateliê. "Você descola o couro do chão", diz Uchôa, 53. "É o espaço sitiado da pintura, ambiente impregnado de pigmento."

Membranas de pintura
Ele despeja resina acrílica sobre o piso do ateliê e depois descasca a tela do chão, juntando à obra o barro e a sujeira das lajotas. Foi dessa forma que fez os trabalhos agora expostos no pavilhão brasileiro da Bienal de Veneza.
Na galeria paulistana, mostra o díptico "Inverno/Verão", que expôs em março na Bienal de Havana. Com motivos construtivos, são telas do tamanho da sala do artista, uma em tons terrosos, quentes e a outra com formas cristalinas e azuladas.
"São duas membranas de pintura", descreve o alagoano.
"Entre uma e outra, há um campo magnético, a ideia de estar dentro do quadro, a pintura percebida em metros cúbicos."
Na casa diminuta e na sala que vira tela estão propostas antagônicas de um mundo medido em escala doméstica. Do exercício sutil das miniaturas aos excessos coloristas, salas, quartos, portas e porões dão as coordenadas dessa arquitetura caseira a serviço da estética -a cartela opaca da cidade contraposta aos gritos dos verões e invernos luminosos do Nordeste.

ROCHELLE COSTI e DELSON UCHÔA
Quando: ter. a sex., 10h às 19h; sáb., 11h às 17h; até 31/7
Onde: Luciana Brito Galeria (r. Gomes de Carvalho, 842, tel. 3842-0634)
Quanto: entrada franca

7ª Bienal do Mercosul abre inscrições para Mesa de Encontros

Nos dias 21 e 22 de julho, a 7ª Bienal do Mercosul promove a Mesa de Encontros – Artistas em Disponibilidade: a educação como espaço para o desenvolvimento de micropolis experimentais, em Porto Alegre, no Salão de Eventos São José - Hotel Plaza São Rafael, com entrada gratuita mediante inscrição.

As inscrições estarão abertas de 06 a 19 de julho, através de formulário no site www.bienalmercosul.art.br/mesadeencontros.

Os encontros são destinados a educadores, artistas, estudantes e outros profissionais que queiram conhecer e discutir os projetos educativos dos artistas que participam do Programa de Residências do Projeto Pedagógico desta edição da Bienal. Os artistas apresentarão publicamente seus projetos na Mesa de Encontros com o objetivo de confrontar e debater suas propostas com profissionais internacionais interessados nos valores da arte como ferramenta para a educação.

Participam das Mesas, além dos artistas residentes, Lucas Rubinich - professor de sociologia (Argentina), Francisco Reyes Palma - historiador, curador e crítico de arte (México), Marcos Villela - doutor em Educação (Brasil), Tania Bruguera - artista e pedagoga (Cuba), Luis Alarcón e Ana María Saavedra - diretores da Galeria Metropolitana (Chile) e Ricardo Resende - diretor do Centro de Artes Visuais da Funarte (Brasil).