quinta-feira, 12 de março de 2009

Boletín 9 Décima Bienal de La Habana

de contactobienal@wlam.cult.cu

Sonrisas impregnadas de sana malicia. Miradas cómplices. Una carcajada, ¿por qué no? La ineludible reflexión. Sucede así frente a la obra de Reinerio Tamayo Fonseca (Niquero, 1968) e, incluso, al dialogar con el artista. La clave reside en la eficaz implementación del humor, así como de la cita –rara vez exenta de jocosidad– del estilo o fragmentos de obras de íconos del arte universal: Leonardo Da Vinci, Diego Velázquez, Francisco de Goya, Vincent Van Gogh, los bodegonistas del Barroco español, Pablo Picasso, Salvador Dalí y el Ukiyo-e (más conocido por estampa japonesa). No es palpable la impronta formal de creadores del ámbito nacional; sin embargo, en el orden conceptual, es fuerte la presencia del espíritu contestatario o, como dijera él, de la actitud de las artes plásticas de los 80, período en el cual se desarrolló parte de su formación artística.
Tamayo reconoce dicha herencia, al igual que la del humorismo gráfico: de su práctica provienen la inmediatez e ingeniosidad que le imprime a sus creaciones, al igual que la constante provocación al público. Varios son los premios obtenidos con sus historietas humorísticas en certámenes nacionales y foráneos. Entonces, ¿estamos en presencia de un pintor o de un humorista? “De un pintor que disfruta el trabajo en el caballete”, contesta. Su larga trayectoria pictórica da fe de esta pasión. Ello no significa en medida alguna el desprecio de otras manifestaciones. Según su manera de ver la creación artística, o más bien cómo se da esta en él, primero surge la idea, la cual le demanda ejecutarla por medio de la pintura, el grabado –técnica para la cual tiene varios proyectos que no ha podido llevar a efecto por falta de tiempo– o la escultura.

Si se revisan los listados de obras de sus exposiciones, se puede constatar una presencia cada vez mayor de la obra tridimensional. Ya en la enseñanza elemental algunos de sus profesores se percataron de sus dotes para la escultura. En ese entonces se inicia en el mundo de la cerámica, cuya realización le provoca gran placer. En la pasada Bienal de La Habana el público pudo ver obras suyas que desafiaban el espacio: “ Taxitiburón” –de emplazamiento infeliz en la Cabaña, al verse privada del contacto con su referente: las calles de la Habana Vieja – y uno de los “refrigeradores” que conformaron la muestra colateral Manual de instrucciones, en el Centro Nacional de Conservación, Restauración y Escultura Monumentaria (CENCREM).

Tamayo es un viejo conocido de las citas habaneras . Participó en El mundo es cruel (Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, Centro de Arte 23 y 12 y Galería Juan David; Cuarta Bienal); La familia del huracán (Galería La Casona , Quinta Bienal); El gran juego (Centro de Arte 23 y 12, Séptima Bienal), junto a Rubén Alpízar; y el proyecto especial Maneras de inventarse una sonrisa (Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, Octava Bienal).

En la Décima Bienal se presentará con la escultura El buque petrolero , realizada con el artista matancero Eulises Niebla Pérez (Matanzas, 1963). No es el primer trabajo que realizan juntos; ya hicieron algunas variaciones de la obra La lámpara maravillosa , durante la exposición personal de Reinerio Tamayo Magma mia!!! (mayo-junio de 2008) , en la Galería Villa Manuela, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC).

Eulises Niebla, tras egresar del Instituto Superior de Arte y cursar estudios en la beca Delfina Studio Trust (Londres), ha ejecutado una vastísima obra. El multipremiado escultor es otro conocido del máximo certamen organizado por el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. En 1994 (Cuarta Bienal) participó en la muestra Escultura cubana . Con todo, su presencia en el circuito expositivo capitalino no ha sido sistemática, tal vez a causa de su permanencia en Matanzas. En dicho territorio, especialmente en Varadero, se han emplazado muchas de sus obras.

Común a todas es la impecable factura que da el ejercicio diario del oficio. Al ver sus primeros trabajos, es perceptible un tránsito desde el constructivismo hacia el mínimal. Se opera entonces una reducción de los volúmenes geométricos en su aspecto formal, y el espacio deviene protagonista. Ello se acrecienta cuando se trata de la escultura ambiental, donde, con gran economía de recursos, logra un sabio diálogo obra-entorno. Los materiales por él privilegiados son el metal, el mármol y el cristal, ya sean solos o combinados. Ha dominado con éxito el traicionero y difícil trabajo con el cemento directo; “Columna”, una de las piezas que engalanó la Avenida del Puerto de La Habana durante el Forum Internacional de Escultura Ambiental (La Habana; 18 al 28 de abril de 2000), es una prueba fehaciente de ello: ajustó la idea primigenia –concebida en metal– a los preceptos técnicos del hormigón. Al decir de la Dra. María de los Ángeles Pereira en las palabras del catálogo de dicho evento, “Columna” es una obra “esbelta y grácil, sin rebuscamientos formales, pero, asimismo, plena y rica en su proyección espacial”.

Sus composiciones se caracterizan por la armoniosa relación entre las partes, abordada con cierto hedonismo. Son en su mayoría no figurativas. Ello pudiera deberse a la naturaleza de sus temas: las inquietudes del ser y su historia, a partir de una conceptualización filosófica. Recurre a la cita intertextual como estrategia de inclusión en los espacios legitimados, a la vez que le sirve para cuestionar, desde la periferia, lo dictaminado como válido en los centros de poder. Pero a Niebla también le preocupa lo que le rodea, tanto en un contexto inmediato –Cuba– como en otro que se pudiera pensar más apartado: el resto del mundo.

Con “El buque petrolero”, tanto él como Tamayo pretenden reflexionar sobre algunos aspectos de la globalización, conscientes de que una obra no puede contener por sí sola un fenómeno tan complejo. Sin embargo, el “buque” deviene multisemántico. Se puede leer como símbolo de la distribución de energía en el planeta, de la lucha de poderes entre las grandes potencias, de la manera en que las transnacionales devoran a los países tercermundistas, de la civilización moderna, de los desastres ecológicos. El preciado combustible ha sido la causa de crecientes conflictos bélicos, y el precio del barril rige la economía mundial. Los autores no pretenden dramatizar sobre un mundo en crisis. Cuidado: tampoco es un panfleto; en el intento, más que en el apunte sociológico, se erige la metáfora.

Todo el proceso creativo ha sido documentado, desde la concepción del proyecto en 3D hasta los últimos pasos. La escultura fue concebida para un espacio cerrado –de hecho, se exhibirá en el Pabellón C de La Cabaña–; se pensó para un ambiente en penumbras, con el fin de provocar en el espectador cierta claustrofobia, reforzada por las grandes dimensiones del “buque”. Debido a ello la pieza fue ejecutada por partes en el taller de Niebla, y se ensamblará in situ . Pero los autores no quieren una réplica exacta del “buque”; le han dado la forma ondulada de una serpiente. Otra metáfora. El “buque”, cual voraz reptil, engulle cuanto se interpone ante sus ansias de poder, de dominar el mundo.

“El buque petrolero” tendrá de ambos creadores. De Reinerio, el afán por explorar cualquier tema de la vida que nos afecte como seres humanos; de Eulises, el abordaje mínimal, la línea curva y dinámica, el acabado perfecto. Será entonces la oportunidad de ver juntos a dos grandes de nuestras artes plásticas.
Livro vê teor espiritual no trabalho de Mira Schendel

por Silas Martí da Folha de S.Paulo


Engavetada por mais de uma década, vem a público uma tese polêmica, que analisa o teor espiritual e religioso da obra de Mira Schendel. Escrito em alemão nos anos 90, só agora sai, em português, "Mira Schendel - Do Espiritual à Corporeidade", de Geraldo Souza Dias, que chega às livrarias em abril.
Mira Schendel (1919-1988), artista plástica suíça e radicada no Brasil

"A controvérsia maior é quando se fala em espiritualidade", admite Souza Dias, 54. "Era uma tendência antes na crítica da arte deixar de fora tudo que pudesse trazer impurezas ao discurso mainstream", diz o autor, justificando a longa espera para a publicação do livro, reedição de sua tese de doutorado pela Cosac Naify.
Espécie de "biografia intelectual", o volume de mais de 300 páginas deve surpreender até estudiosos da obra da artista, pela pesquisa minuciosa que envolveu, incluindo a compilação de diários de Schendel e sua troca intensa de cartas com filósofos na Europa e brasileiros, como Haroldo de Campos.
"O cerne do trabalho é o diálogo dela com intelectuais", diz Souza Dias. "Eu fiz cópias de quase tudo, dos diários, dos rascunhos, da correspondência e fui atrás dos interlocutores."
Entre os mais importantes, estão os alemães Jean Gebser (1905-1973), com quem Schendel teria aguçado suas reflexões sobre a transparência, mote central de suas célebres monotipias, e Hermann Schmitz, que, segundo Souza Dias, influenciou a artista com sua teoria do "corpo vivo", ideia que tentava abolir a distinção clássica entre corpo e alma.
Um tanto obscuros, são eles os possíveis pontos de partida para as obsessões de Schendel.
Enquanto Gebser teorizava sobre a direção da escrita, tema caro à artista, o "corpo vivo" de Schmitz deu margem à produção de Schendel ligada à espiritualidade, como as citações bíblicas, as mandalas que desenhou e o flerte com composições do alemão Karlheinz Stockhausen (1928-2007) que fazem referências a Deus.
Descrita como "vulcão interrogativo" pela obsessão em destrinchar os meandros da vida espiritual, Schendel, com seus óculos fundo-de-garrafa, não seguia uma única religião, foi batizada pela mãe católica e criada pelo pai judeu.
Chegou mais tarde a presentear frades dominicanos com uma de suas poucas obras figurativas, uma pintura de duas flores brancas.

Lançamentos

Além da tese de Souza Dias, dois outros livros serão lançados. Na primeira parceria de uma editora brasileira com o MoMA, a Cosac Naify lança "León Ferrari and Mira Schendel: Tangled Alphabets", catálogo da exposição do museu nova-iorquino que sai junto com o início da mostra sobre os dois artistas, no dia 5 de abril.
Editado em inglês, o volume com textos de Luis Pérez-Oramas, Andrea Giunta, que escreve sobre Ferrari, e Rodrigo Naves, que fala sobre Schendel, também deve ser lançado em português pela mesma editora.
Também volta às livrarias "Mira Schendel", de Maria Eduarda Marques, livro-referência sobre a artista, até agora esgotado, da coleção "Espaços da Arte Brasileira", coordenada por Naves.
Contra crise, Bienal do Mercosul cresce

Apesar de corte no orçamento, evento amplia participação de artistas, que também estão na curadoria

por Fábio Cypriano da Folha de S. Paulo


Em vez de sujeitar-se ao colapso econômico mundial, a 7ª Bienal do Mercosul irá ampliar seu formato. Programada para ser inaugurada em 26 de setembro, em Porto Alegre, a mostra denominada "Grito e Escuta", com curadoria da argentina Victoria Noorthoorn e do chileno Camilo Yáñez, mesmo com um corte em seu orçamento, terá ampliada a participação de artistas.
"A crise foi uma grande sacudida, mas a Fundação Bienal decidiu manter o projeto, e nossa decisão foi aumentar o número de artistas para mostrar a pertinência da arte em abordar o que se passa hoje", disse Noorthoorn à Folha, no ateliê de Lenora de Barros, uma das cocuradoras da mostra, na semana passada. A lista dos selecionados será divulgada em maio, mas a curadora estima que, no total, haja cerca de 150 participações, contando autores de trabalhos sonoros.
Segundo a assessoria de imprensa da mostra, o orçamento da Bienal previa a captação de R$ 14 milhões, e agora se trabalha com a previsão de R$ 10 mi. Para chegar a tal economia, entre outras ações, o período da mostra foi reduzido, caindo de três para dois meses, e a abertura às segundas foi extinta.
"Essa crise até ajudou na definição do título, pois se trata de abordar a criação, o grito, e a reflexão, a escuta, tensionando assim os limites da arte contemporânea", diz a curadora.
Nessa edição, o projeto foi selecionado por concurso internacional e artistas ocupam toda a estrutura da mostra. Da equipe curatorial, de dez pessoas, apenas Noorthoorn é curadora de fato. Os demais são artistas: do Brasil, além de Barros, responsável pela programação de uma rádio, denominada Rádio Visual, participam Artur Lescher e Laura Lima, como curadores-adjuntos; da Argentina, Marina de Caro é curadora pedagógica e Roberto Jacoby, adjunto; do Chile, Mario Navarro é adjunto.
Os curadores editoriais são o mexicano Erick Beltrán e o colombiano Bernardo Ortiz. Uma das inovações é que os curadores editoriais serão responsáveis também pelo projeto gráfico e pela identidade visual da Bienal. Em geral, essas são áreas a cargo de publicitários, que muitas vezes elaboram projetos até contraditórios com os conceitos das mostras.
Para Noorthoorn, "os artistas estão ocupando um território que geralmente não é deles, mas isso tem a ver com o desafio de se repensar o sistema das bienais por meio de uma forma distinta, que é colocar o artista no centro do processo".
Além do Santander e dos armazéns do cais, já tradicionais, o recém-inaugurado Museu Iberê Camargo também funcionará como sede do evento. Estão programadas seis mostras distintas para essa edição, todas com foco na produção contemporânea.
Tracey Emin. 20 Years

Exhibition at the Museum of
Fine Arts Berne, Switzerland
19 March - 21 June 2009

Opening:
Wednesday, 18 March, 2009 18 - 20 hrs
Wednesday - Sunday 10 - 17 hrs
Tuesday 10 - 21 hrs
Tracey Emin. 20 Years
19 March - 21 June 2009

Scott Douglas - Tracey Emin - Foto Cortesia Scott Douglas © Scott Douglas, 2008

The first major retrospective exhibition of works by Tracey Emin, one of the most celebrated and influential artists of her generation will be the highlight of this year's exhibition programme at the Kunstmuseum Bern. The show will chart the artist's career from the late 1980s to the present day, presenting the full range of her work in an exceptionally wide range of media - from her famous appliquéd blankets to video; from neons and installation to her intensely personal paintings and drawings. The largest, and most significant showing of Emin's work to date, this eagerly anticipated exhibition will offer the first comprehensive overview of her career.
My Bed, 1998 - Bed, Mattress, Linen, Pillows, Mixed Media - 79 x 211 x 234 cm
Saatchi Gallery London © 2008 Tracey Emim

Tracey Emin is one of the best-known artists working in Britain today. Born in London in 1963, she is a central figure in the generation of Young British Artists (or YBAs) that emerged in the early 1990s, and has produced some of the most memorable, compelling and iconic works of the last fifteen years. Her autobiographical, confessional art has tapped into the mainstream of public consciousness. Emin studied at Maidstone College of Art, and the Royal College of Art in London, and has had major exhibitions around the world. She became a member of the Royal Academy of Arts in 2007, and in the same year, was selected to represent Britain at the Venice Biennale.

Highlights of the exhibition will include My Bed, perhaps the artist's most celebrated work, which caused a sensation when it was shown at the Tate Gallery in 1999. Other large-scale installations, such as Exorcism of the Last Painting I Ever Made (1996), The Perfect Place to Grow (2001) and It's Not the Way I want to Die (2005) will also be reconstructed for the show.

Famously, Emin's art is intimately bound up in her own biography. Drawing directly upon her personal experiences, it often refers, with disarming and sometimes painful frankness, to traumatic episodes in her life, including her rape at the age of 13, her sexually promiscuous adolescence, and abortions. Emin's great achievement is to have drawn upon her background and to have done so in a manner that is neither tragic nor sentimental.

Tracey Emin. 20 Years will include a dazzling array of the artist's embroidered blankets, which she covers in bold, autobiographical texts. The earliest of these, Hotel International, dates from 1993 and was made for her first solo exhibition, where it was shown alongside a collection of letters, memorabilia, teenage diaries and photographs of paintings that she had destroyed. Emin's family relationships are a central, recurring theme in her art, which the artist has explored in a variety of media. The exhibition will feature powerful examples, including a series of raw and deeply personal monoprints from 1994, entitled Family Suite; and There's Alot of Money in Chairs (1994), a poignant and affectionate work made from an armchair given to Emin by her grandmother.

Curator: Kathleen Bühler, phone +41 31 328 09 42, e-mail kathleen.buehler@kunstmuseumbern.ch

Hodlerstrasse 8-12
CH-3000 Bern 7
Phone +41 31 328 09 44
press@kunstmuseumbern.ch

http://www.kunstmuseumbern.ch